工艺美术师论文篇1
“作坊”中艺徒的培训都是按某种统一的模式进行的,它的教学有着共同的特点。
1.师徒制
“作坊”中实行的是师徒教育模式。如果一个青少年有志成为画家和雕塑家,大约在12—13岁开始便要拜一位师傅,并在他的作坊里当一名学徒或助手。学徒的家庭还要向师傅交纳学费,师傅向艺徒传授所有的艺术和技艺。艺徒在学期满后,由师傅发给证书,成家立业,成为独立的工匠或画家。关于学徒制的具体情况,在丹纳的《艺术哲学》中有详细的记载,根据记载,学生在当时是徒弟,师傅的生活与荣誉名声都有他的一份。一个孩子十二三岁就去拜在画家、金银家、建筑家、雕塑家的门下,师傅通常是兼这几门的,年轻人在他手下学的不是艺术的一部分,而是全部艺术。他替师傅工作,做些容易的活,画背景、小装饰和不重要的人物;他参加师傅的杰作像对自己的作品一样关心;他成为师傅的儿子、仆役;人家把他叫做师傅的小家伙;他和师傅同桌吃饭,替他跑腿,睡在他家卧室的阁楼上,受他打骂;师傅出门,徒弟们跟着,在路上为他打架动武,不让他受攻击、受毁谤。师傅和徒弟的关系是非常密切的,时刻都有接触与交流。而在作坊中拜师学艺在那时的确是学艺的唯一途径,师傅的地位是非常尊贵、不容轻视的。[1]切尼诺·切尼尼,就在他的《论艺术的书》中说:“要学会在木板上作画……要找一个经验丰富的画家做老师,在他的画坊里学习,尽管有人说没有老师的帮助也能学会艺术,但你不可相信这种说法。”[2]
2.丰富广泛的教学内容
作坊教学的内容十分丰富和广泛,但这一切都是围绕手工艺实践而开展的。学徒在学艺的13年中,第一年是不间断的钢笔、粉笔、碳条、排刷的绘画练习;然后6年的时间掌握制作颜料和嵌板的技巧,还要学会压缩尺寸、碾磨石膏粉、上画布、打底子、学习用石膏制作浮雕、学会抛光、镀金、钻孔和压模;最后6年专攻湿壁画和镶板画,学会起稿、上色、修饰(润色)和上光,还要练习借助辅助剂制作图案,练习给织物涂金。[3]达·芬奇在委罗齐奥的画坊中做学徒时,起初做的也是洗画笔、做模特,后来才学习绘画、制作金属烛台、雕刻墓碑以及许多材料的掌握运用和多种工匠技术才能。因此,作坊教育丰富广泛的教学,培养出的学徒都多才多艺,有极强的实际操作和动手能力,同时它也把艺术应用到了生活的各个领域。
3.严格的等级制度
在“作坊”教育中体现了一种严格的教育等级制度。师傅最大至高无上。师傅给徒弟取名,把他当孩子和仆人,可随意打骂,师傅的一切活动都是受学徒关心和注目的,学徒们还要拼死扞卫师傅的荣誉和尊严。[4]师傅管教助手,助手管教学徒。交不起学费的贫穷学徒干一些单调乏味的工作,而聪明能干的学徒则有可能晋升为助手,甚至是师傅。在作坊中,徒弟要转变成师傅是相当严格的。学徒在学期满后,由师傅发给证书。如果再能通过一项权威性的考试,他就有可能获得进入师傅行列的资格。一旦成为师傅,他就可以独立开设作坊招收学徒。但最后如愿以偿的往往是凤毛麟角。学徒在作坊中必须保守技艺秘密,没有出售自己作品的权利。[5]
4.教学目的与经济状况联系紧密
当时的社会手工艺生产十分兴盛,作坊中各类艺术的学习都是为手工生产服务的。而学徒拜师学艺,也更多地是为了掌握谋生的技术。因此,作坊教学的目的就是培养精湛技艺的工匠艺人,确保精湛技艺的传承。
二、“作坊”美术教育产生的社会历史背景
“作坊”美术教育是封建的自给自足的农业经济的产物。早在古罗马它就存在了,但是由于古罗马帝国的崩溃,经济一片混乱,工匠作坊便逐渐消失。直到中世纪,随着封建经济的产生,欧洲进入了土地分封时期,大小封建主们各自拥有自给自足的经济实体,每个庄园均有制造日用具的作坊。到了中世纪盛期,西欧各国的城镇和都市如雨后春笋开始涌现兴起,城市的建立和经济重心的转移,使以往的建筑家、雕塑家、画家、金银匠已不再是寺院里的修道士了,而成了城市里的手工业者。文艺复兴早期,意大利出现了资本主义的萌芽,但占主导地位的经济形态还是封建的农业经济。这一时期,城市手工劳动中技术的改进提高了生产效率,于是,出现了越来越多的手工作坊,手工艺生产一片兴盛。新的职业阶层也随之出现了,同一职业的手工艺人组织起了职业行会。而“作坊”的开设者必须是行会中的成员。于是,在这些行会的作坊中所进行的美术教育就成了中世纪美术教育的重要组成部分。“作坊”就成了一个从事手工艺劳动和绘画相结合以及艺徒们接受技艺训练的主要机构和场所,它一直存在并被沿用到了文艺复兴中后期。
三、对“作坊”美术教育体制的认识
(一)“作坊”美术教育有着它的弊端和不足,但是,它的教学体制中有许多东西是值得去思考和借鉴的
1.在教学体制上的优点
①师徒教育的优势。首先,作坊中的师傅具有全面的技能,兼通好几门艺术,传授的知识较为全面。其次,师傅向徒弟面对面地直接传授技能,并加以实际操作性的示范。这种教学更为直观,抽象的概念和理论也因为直观的教学而变得具体、鲜明,记忆牢固,徒弟能更深刻透彻地理解所学知识。再次,言传身教,耳濡目染,这样的教育意义更为深远。
②艺术教学和手工艺制作相结合。艺徒们在掌握了基本的造型基础后,立即将其付诸实际的生产制作中,这不仅锻炼了脑的思维能力,训练了手的表现力,还协调了眼、脑手并用的能力,它将艺术与实际应用相结合,将艺术中的美应用到工艺领域继而渗透到人们生活的各个领域,满足了人们的审美需求。
③广泛丰富的学习内容,使学生具备较为广阔的艺术基础知识和技能,为其多方面的发展奠定了牢固的基础。“作坊”中培养出很多艺术家都是多才多艺的,如达·芬奇、米开朗琪罗、阿尔贝蒂等,他们不但是出色的素描家、金银工艺家、雕塑家、金银镂刻家、浇铸家,同时还是工程师、建筑师。这些都得益于作坊中广泛综合的学习内容。
2.作坊美术教育对推动美术教育发展的作用是不容忽视的
①20世纪的包豪斯教育就是对作坊式教育体制进行学习和借鉴的典例。它大力提倡学习作坊式教育模式,将工场和学校相结合,教学和生产相结合,实行了“工厂学徒制”的教学制度,采用两套教学办法,讲课请画家、雕刻家、建筑师担任,而实习工场指导则请有手艺的师傅担任,入校先学半年的基本造型、材料研究或工厂原理与实习,然后接受三年的“师徒制”教育。
②“作坊”式美术教育推动了美术教育在理论上和体制上的发展和变革。正是由于它在教学体制上的弊端才促成了解剖、透视等美术理论的产生和学院式美术教育体制的建立,直到今天这些美术理论知识在学院美术教育中仍占有基础性的重要地位。
③“作坊”美术教育培养出了一大批世界级的艺术家。
达·芬奇曾在委罗齐奥的作坊里当学徒,学会了多种技术和绘画理论知识;米开朗琪罗最初练成初步的造型本领也是在吉兰达约的美术作坊中;安德列阿·曼滕纳幼年时就在弗郎切斯科·斯克瓦与乔内的作坊中接受了6年的艺术训练;保罗·乌切罗、皮耶罗·德拉·弗郎切斯卡,都是接受过“作坊”式的美术教育而成为优秀的艺术大师的典例。[6]这些艺术大师为推动艺术的进步和发展都做出了巨大的贡献。
(二)“作坊”美术教育虽然有它自身存在的优势和理由,但它最终还是被学院式美术教育所取代
①文艺复兴带来了政治、经济的大发展,封建农业经济逐渐解体,资本主义开始发展。手工作坊中,老式的工具器械得以改进,新的发明、劳动分工的出现,封建经济下的“作坊”已经不能适应新的生产力发展的要求,“作坊”在手工艺生产中扮演的重要角色也逐渐失去往日的光彩,也必将被一种新式的,更先进、更符合时展的体制所取代。
②一些艺术家如达·芬奇、阿尔贝蒂等潜心研究透视、解剖、构图、明暗、造型、色彩等艺术理论知识,并取得了卓越的成果。不仅使艺术和艺术家的地位得到了提高,而且引起了人们对美术教育的重新认识和对当时作坊式的艺徒培训模式的合理性以及纯粹技艺训练方式的正确性产生了怀疑,促使了技艺色彩浓郁的作坊教育向知识意味更强的学院式教育的转变。作坊式的教学模式已经不能承担起培养伟大艺术家的使命,最终将被一种崭新的教育体制所取代。
1563年迪塞诺美术学的建立,标志着中世纪以来的“作坊”式的教育模式逐渐走向衰落和消亡。学院美术教育作为对作坊教育机械、陈旧的训练体制的反叛,不仅大大提高了艺术家的社会地位,还设置了一套技能与理论结合的教育方式,艺术不再按所用媒质的不同进行分类,绘画、雕塑、建筑被新的教育观念统而为一。
参考文献:
[1][4](美)丹纳.艺术哲学[M].安徽:安徽文艺出版社.1991
[2][6](苏)阿·阿·古贝子与符·符·巴符洛夫.艺术大师论艺术第一、二卷[M].北京:文化艺术出版社.1987
[3][5](美)阿瑟·艾夫兰.西方艺术教育史[M].四川:四川人民出版社.2000
工艺美术师论文篇2
［关键词］中职；工艺美术；人才培养；实践
工艺美术来源于民族文化，并且将人们对于器物美的追求展现出来，凸显地域或是民族的人文文化与精神，还能发挥美化生活环境的重要作用。近几年来，基于文化创意产业的蓬勃发展，人们更加注重根植于传统文化的工艺美术，许多中职院校相继开设了与工艺美术知识相关的设计专业。对于中职院校来说，工艺美术虽然办学特色显著，但是总体来看课程都是对原有工艺美术本科教学课程进行压缩，在人才培养模式方面，也受到本科院校课程设置、教学任务设定等方面的影响，出现了与中职院校发展现状不适应的现象。
一、现有教学模式的弊端
（一）培养目标与模式
对于培养人才目标来说，需要结合实际的社会需求，准确定位专业教学目标。但就实践过程进行分析，往往因为缺乏深入研究，许多中职院校人才培养目标出现了定位偏差的现象，还会导致中职院校的学生无法适应以及满足市场发展的需求。而对整个中职院校工艺美术专业人才培养模式进行分析后不难发现工艺美术专业教学存在教学特色不鲜明的问题。与同专业本科院校的学生相比较，中职院校工艺美术专业的学生在学习基础、学习能力、综合素质方面还有一定的差距，而中职院校则沿用本科院校的人才培养模式，注重思维性教学，对实用技能的培养关注度不足。课堂的实践操作大多采用模拟的方式，很少会引入真实的生产项目。长此以往，这种落后的教学模式会使中职院校工艺美术专业学生在毕业的时候无法掌握本科院校学生的创新能力与艺术修养，不具备本专业的职业实践技能。与此同时，由于工艺美术属于新兴专业，市场上对于人才的需求量相对也比较大，许多高职院校都存在盲目跟风的现象，在缺乏办学条件及办学能力的情况下，开设工艺美术以及相关的设计专业，会导致中职院校工艺美术专业特色不突出、学生就业困难的问题发生。
（二）教学与课程
在中职院校的工艺美术专业课程教育体系中，许多课程都是通过简化本科课程而来，使许多课程内容存在相互脱离、联系不足的情况。由于缺少变革，这些来源于本科院校的课程大多更加注重理论研究，而对实践操作的重视度不足，而中职院校开设的实践课程没有与理论课程互相融合，学生无法从整体的角度理解专业知识，在教学中普遍存在以下几个方面的问题：（1）过分注重理论教学，实践教学基础薄弱。许多教师采用模式化的教学方式，将教材作为核心内容，对工艺美术的市场发展情况了解不足。有些高职院校将实践教学与理论教学互相分离，并且将更多的实践时间安排到假期，学校也没有给予相应的监督及指导，导致学生的实习状况随意，实践学习的效果不佳。（2）仍然采用以往的教学方式，整体创新力度不足。而对于工艺美术这种实践操作性较强的专业来说，大部分中职院校仍然以教师为课堂主体、以课题教学为核心进行教学，缺乏收集学生的信息反馈，无法在课堂教学中激发学生的主观能动性。这种教学方式会对学生的整个学习过程产生制约，也不利于培养学生的实践技能以及创新意识。
二、新型人才培养模式的内涵
（一）正确把握工艺美术专业特点
（1）工艺美术专业的整体实践性较强。自古以来，工艺美术就存在于长期的实践生产过程中，中职工艺美术专业学生学习的就是实践动手技能，并且从大量的实践学习过程中，获取更多的专业知识。此外，经过不断的创新及实践，学生制作工艺美术品的技能水平逐渐提升，能自己发现并且解决问题。（2）工艺美术专业的创造性较强。发展至今，传统的工艺美术产品种类或是样式变化较少，缺乏创新精神，无法满足现代化的实用性以及审美需求。基于此，创新就显得十分重要，中职院校在进行工艺美术专业的教学时，就要求学生敢于突破自己、拥有全新的创造精神，并对新的材料、新的技术、新的设计理念等有全新的认知。
（二）树立新型工艺美术人才培养目标
随着文化创意产业在全世界范围内兴起，人们更加注重文化艺术对经济发展做出的巨大贡献。在文化创意产业中，工艺美术产业属于核心内容，提供了相应的智力支撑，需要为其培养出具备创新能力的实用技术型人才。所以，中职院校在工艺美术专业的教学阶段，需要将培养学生自我认知能力、实践能力等作为基础，推动教学向着模块化的课程转变，并制定开放性的教学计划，以此培养出适合工艺美术企业用人需求、创新意识较强的高素质人才。
（三）明确新型工艺美术人才培养模式
对于新型工艺美术人才来说，其具备创新设计思维，把握工艺美术文化性基础、艺术性表现、精湛制作技艺的关系十分重要。在创新中职院校工艺美术人才培养模式的阶段，需要具备以下几个方面的特点：（1）提升学生的自我能力。中职院校培养工艺美术专业学生的过程中，需要从职业能力、专业技能等角度入手，还需要为学生的终身职业发展做好铺垫，提升其自主学习能力，使其掌握岗位转换、主动工作、创造能力、与他人合作能力等，使中职院校工艺美术人才能以实用性的技术作为核心竞争力，能胜任更多的岗位。（2）培养学生勇于创新的精神。传统工艺美术流传至今，或多或少会受到传统因素的制约，阻碍了当地工艺美术的健康发展。所以，中职院校的教学需要合理引导学生，发现制约的传统因素，并且靠自己的努力尝试打破它。（3）明确学生差异化发展方向。通过建立新型中职院校工艺美术人才培养模式，注重挖掘学生的技术及个性。对工艺美术品的制作环节进行分析，学生掌握各个环节的制作技艺，结合不同学生的个性化差异，引导其制作擅长的工艺。以扬州漆器工艺学习为例，结合扬州漆器的彩绘、点螺、雕漆等各个种类的工艺，可以有针对性地培养学生，以此不断提升其专业技能水平。
三、建立新型人才培养模式
（一）教学形式变革
建立工作室制，将形式不同的工作室作为中职院校工艺美术人才培养的实践方向。在工作室的运营过程中，引入公司化的管理模式，以骨干教师以及专业带头人员为主导，青年教师或是技能水平较高的学生作为负责人，承接美术产品订单以及项目。通过将实践引入课堂教学的方式，打破封闭式课堂教学的禁锢，使学生能积极参与到制造工艺项目中，掌握综合专业技能。通过建立教师为领队的教学模式，在教师的引导下操作工艺美术项目课题，教师需对学生的操作情况进行指导，发现普遍存在的实践问题，并提出有效的解决思路，以此提升学生实践、实习的效果，有效缩短课堂以及工作岗位的距离。
（二）突破课程教学内容
在培养中职院校工艺美术人才的阶段，将实践教学作为基础，培养学生的创新能力及创新意识，引导学生掌握工艺操作技术，并从整体、宏观的角度进行探究，务必要做到能自己总结实践的规律，研究个性化的工艺技术方法，在实践中掌握理论知识。对于中职院校工艺美术专业低年级学生来说，以理论指导为核心，建立实践为目标的学习模式，等到学生对于理论学习以及实践有了感悟之后，可以在高年级课程教学中，加入技能训练、思维创新等教育课程，培养学生勇于创新、突破的精神。
（三）改革教学方式
利用主题教学法的优势，教师要为学生制定明确的主题，使学生能以职业化的状态学习知识。首先要确定主题，并且分析整个学习过程中面临的问题，还要了解需要达成的学习任务目标。其次对于主题进行合理的创意构思，对工艺美术品的艺术风格特点、造型、技术创作工艺、原材料使用、市场需求等进行充分考究，对比不同的制作方案，选择最合适的方案。再次进入工艺制作阶段，结合设计的艺术性、材料性、工艺性进行实验，等到成熟之后再进行工艺美术品的制作。最后，学生完成作品之后，展示自己的创意以及制作的重点。教师对其进行总结与评价，并评选最优秀的工艺作品。这种主题式的教学方式与以往各个科目独立的教学方式不同，需要引导学生从实际情况出发，探究工艺美术产品的完整制作过程，并从中获得良好的学习经验。
（四）转变教学评估形式
对于中职院校的工艺美术专业评估来说，其具备一定的发展性，评估的形式以及方案需要以工艺美术的标准为核心目标，并结合工艺美术产业发展的趋势，做好工艺美术教学的评估工作。在此过程中，突破传统教学评估注重结果的理念，更加注重进行整个过程的评价，并考核不同阶段的工艺美术课程，仔细分析与观察学生的学习情况，对学生的不足及优势提出意见。
（五）重视师资力量建设
中职院校工艺美术专业的教师在教学阶段，要注重将工艺技术与艺术审美进行融合，并且注重理论与专业实践并重，并提升实践操作技能水平，掌握更加丰富的工艺美术专业知识。对于现有以普通高校毕业生为主的师资队伍来说，需要加深技术实践，并深入学习与工艺美术企业相关的工艺技术，不断丰富其操作经验，建立高素质的师资队伍。综上所述，本文对中职院校工艺美术专业新型人才培养模式进行探究，理论上能解决工艺美术专业人才培养模式的问题，还能从根本上满足现代工艺美术产业发展对人才需求产生的变化，能促进中职院校工艺美术专业人才培养水平以及教学质量的不断提升。创新人才培养模式的核心目的就是培养学生的综合素养和专业技能，塑造学生良好的创新意识，以全新的培养模式，注重理论与实践相结合，打造出更多符合社会新工艺美术发展需求的专业人才。
参考文献：
［1］尹婧.文化创意背景下工艺美术专业课程链构建实践探索：以长沙师范学院为例［J］.湖南包装，2019（6）.
［2］李思燃.基于应用型人才培养的工艺美术专业实践教学探究［J］.现代商贸工业，2022（26）.
［3］喻竹，严颖.浅谈高等院校工艺美术的技艺传承［J］.牡丹，2019（17）.
工艺美术师论文篇3
舞台技师,则指各种舞台技术工作的人员,也是舞台技术工作人员的职称。因为舞台技术不同于一般的技术,他们具有舞台艺术工作与技术工作的双重职能,所以他们的工作也便具有自身许多独有的特点。这些工作特点,概括来讲,主要有以下三点。
一、舞台技师之所以称之为技师,就是因为他们的工作首先具有技术性特点
例如布景技师,就要懂木工知识,会木工操作;灯光技师,也要懂电工知识,并且会电工操作。如此等等。
但是,因为舞台技师是为舞台艺术服务的,所以光有技术性还远远不够,还必须使技术性与艺术性有机统一、完美结合,使技术性成为为艺术的手段,将艺术性作为自身工作的出发点和归宿。例如布景技师,就要通过布景的制作技术,使布景为塑造舞台人物形象、再现舞台典型环境、营造舞台情境服务;同样,灯光技师,也要通过自身灯光操作技术,使舞台灯光真正成为“舞台的太阳”和“舞台的魔术师”,为创造舞台艺术氛围、渲染气氛、表现舞台人物的思想情感、揭示舞台作品的主题立意、呈现舞台作品的艺术风格等服务。
二舞台技师的工作,还要做到科学性与文化性的有机统一、完美结合
所谓“科学性”,是指运用范畴、定理、定律等思维形式反映现实世界各种现象的本质和规律的知识体系,包括理论科学、技术科学、应用科学等。“科学技术是第一生产力”,同样适用于舞台技师的工作,因为现代科学正沿着学科高度分化和高度综合的整体化方向蓬勃发展。而舞台技师的工作,关涉到许多现代化的高度发展的科学技术,其中尤以电脑技术与电子科学为代表。与此同时,科学性还包括一般意义上的合理、准确、稳妥、安全等基本要素。所谓“文化性”,是指舞台技师工作的文化含量与文化品位,即在自身的技术工作中,充分体现出文化精神与文化品质。我们知道,科学本身也是具有文化美,被人们称之为“科学美”,主要包括科学理论体系形式上与内容上的完整和谐所形成与显示的文化美,如科学理论的简练、对称、有序的形式美,科学内容的自然、严谨、和谐美,科学理论、公式以及科学所创造的物质产品所表现出的人的高度智慧美,科学家求真向善、积极进取的精神美与行为美等等,无一不渗透出深刻的文化底蕴。
对于舞台技师来说,就要做科学与文化的“综合人”或“合成人”,因为科学与文化历来都有着血肉相连的关系。著名物理学家、诺贝尔奖金奖获得者李政道说过:“……科学和艺术是不可分割的,就像一枚硬币的两面。它们共同的基础是人类的创造力。它们追求的目标都是真理的普遍性。”尤其是当代,许多高科技已渗透到艺术领域,例如网络文化、电子文化,以及系统论、控制论、信息论、模糊数学、比较文学等观点和方法,已被广泛应用到各艺术门类,其中包括舞台美术门类,如计算机三维动画和数码虚拟技术,就给舞美设计带来了崭新的课题。而在这些科学技术的背后,同样渗透着深刻的文化思想。
三、我们已正处于多元交汇的新时代,多元化成为各个领域的主要标志之一,在舞台美术领域同样如此。为此,舞台技师在自己的具体工作实践中,就必须做到多面性与专一性的有机统一、完美结合
工艺美术师论文篇4
[关键词]口腔修复工；口腔工艺技术;医学美学;课程
[中图分类号]R782.05[文献标识码]A[文章编号]1005-0515（2011）-04-269-01
21世纪，随着人们生活水平的提高和审美意识的加强，人们日益意识到未来的口腔工艺技术专业技术人员，不仅要有精湛的修复技术，还必须具备扎实的美学和人体审美知识。在口腔工艺技术教育中，要求将科学与艺术融为一体，融入口腔医学美学知识，能使将来的口腔修复工以全新的审美观、价值观，推动口腔工艺技术实践、教学、科研向更高、更快的水平发展，使口腔工艺技术教育在新医学模式的背景下，开拓出一个崭新的领域。
1实施口腔医学美学教育的必要性
1.1是培养口腔修复工创新性人才的有效途径
培养创新性人才是教育的根本目的，是时展的要求。高索质人才应该具备较高的思想道德修养、广博的文化知识、较强的专业技术能力、独到的创新意识、良好的心理索质和外在美及内在美的索质体现。同时，作为口腔高级修复工还要有审美能力、透视能力、索描能力、雕刻能力和美学修养、艺术修养等。实际上，在学生德智体美培养目标中，医学美学是医学教育中一种最为基础性的素质教育，也是一种最高形态的素质[1]。它对其它方而素质的形成和发展起着催化和助推作用，可成为提高和扩展专业技能的前提条件。只有加强美学教育，才能实现人才培养由单一型向复合型、由技能型向艺术型、由匠人型向文化型的转变。
1.2是口腔工艺技术教育模式转变的重要内容
随着人类对疾病认识的深入，21世纪的医学模式从传统的生物模式转变为生理一心理一社会医学模式。这一转变，激发人们全方位地认识人类的生老病死和健美问题，要求现代口腔工艺技术必须努力去适应人对美的追求。新医学模式的出现，促进了新医学及分支学科的诞生。口腔医学美学就是其中之一，它填补了口腔工艺技术领域中长期被忽视的空白。口腔医学美学在实现口腔工艺技术最高目标中起着不可低估的作用。
1.3是深刻体现口腔医学美学价值的必然要求
口腔医学美学是以美学和口腔医学的基础理论为指导，应用医学方法，维护和增进口腔颌面健美的一门学科。它常以正颌、矫正和整复口腔颌面部外形与功能作为诊治手段，提高整体生命活力和生命质量[2]。因此，在口腔工艺技术目标的实现过程中，精细的操作技术成为了决定成败的关键行为。由于口腔在解剖生理上的特殊地位和口腔工艺技术专业的特点，口腔工艺技术与医学人体美的关系十分密切，无论在基础理论、科学实验，还是口腔修复体制作中，都蕴合着十分丰厚而深广的美学思想及基本原理;而患者(求美者)对口腔颌面部的美学体验也更加深刻，因此口腔工艺技术学科的美学价值体现远非其它医学技术学科能比拟。在口腔工艺技术专业教育中，有必要反复强调治疗目的是要恢复患者口颌面部的正常功能和形态，树立良好的口腔审美习惯和审美观念，形成创新汰旧的开拓性意识，从而使口腔修复工在口腔修复治疗中自觉地考量到患者的美容效果，明确地提出取得美容效果为重要目标，使口腔工艺技术在医学美学原理的观照下，达到审美经验的累积和审美能力的升华。
2实施《口腔医学美学》课程教学的思考
2.1精心设计课程内容
在提升口腔工艺技术专业学生综合素质的前提下，充分利用学校医学人文课程人才共用、资源共享的优势，精心整合、设计《口腔医学美学》教学内容。《口腔医学美学》课程设计为34学时：理论课程30学时：第一部分为美学基础和医学美学基础，由《美术学》和《医学美学》的教师承担；第二部分为口腔医学美学基础及临床应用美学课程，由口腔各亚专业教师讲授。实训课程4学时：第一个实训内容色彩构成实验，由口腔比色技师指导；第二个实训内容视觉原理实验，由眼视光学专业的教师指导。
2.2切实加强师资培养
师资培养与建设是口腔工艺技术专业教育的重要内容，加强师资队伍建设，形成合格的师资队伍结构，不断提高师资队伍素质。对于口腔医学美学教育，应加强专业教师医学美学知识能力的培养和师德师风建设，开展现代教育技术和教育理论等综合素质的培训；提升教师学历学位；鼓励参加全国性口腔美容医学年会，鼓励专业教师加强与义齿加工中心的经验交流，尽快造就适应口腔医学美学教育需要的“医文兼容”、“医美互通”的“双师型”的教师。
2.3逐步改善教材建设
教材建设是口腔工艺技术专业建设、专业发展的重要载体。实施口腔医学美学教育，可根据高职高专学校的定位、特色和口腔工艺技术专业的定位、特色及培养目标，制定教材建设规划。在初期，可全国高职高专卫生部规划的口腔医学美学教材;同时鼓励教师积极开展教材编写研究、参与教材编写，着重突出口腔工艺技术的特点，建设独具特色的教材。
2.4积极开展教育教学改革
教师应认真对待口腔医学美学课程设置，积极探讨口腔医学美学教学改革思路，尤其注重教学内容、教学方式、学习方式的改革。深入义齿加工中心、医院口腔科进行调查研究，了解专业岗位群的具体要求及发展趋势，不断调整培养体系，解决教学和管理中存在的问题。优化教学方法和手段，积极推进讨论式教学[3]、案例教学[4]等教学方法和合作式学习方式，鼓励学生通过参与教师科研项目或自主确定选题开展研究等多种形式，提高自主学习和独立研究的能力。在口腔医学美学的授课过程中，培养学生真正享受美、欣赏美的能力，从而为今后口腔修复工作奠定扎实的专业知识基础和审美技能基础，使学生真正成为复合型、艺术型、文化型的口腔高级修复工。
参考文献
[1]彭庆星.医学美学导论[M].北京:人民卫生出版社，2002.1-24.
[2]潘可凤，张秀华.口腔医学美学[M].北京:人民卫生出版社，2009.30-31.
工艺美术师论文篇5
论文内容摘要:在高校艺术设计专业教育中,培养学生的创新精神和实践能力同等重要。创新精神的培养,离不开对知识的广泛接纳和吸收,离不开创造性思维的训练。艺术设计理论教育是培养创新精神的重要途径,在当今大多重技能、轻理论的情况下,加强对艺术设计理论教育的投入,是一项艰巨而又意义深远的工程。
我国1998年8月通过的《中华人民共和国高等教育法》第五条明确规定:“高等教育的任务是培养有创新精神和实践能力的高级专门人才,发展科学技术文化,促进社会主义现代化建设。”因而,当前高校艺术设计教育的任务就是培养有创新精神和实践能力的高级设计人才。“形而上者谓之道,形而下者谓之器”,其中“道”是无形的、本源的物质本身所遵照的运动规律;“器”是有形的、现象的技能、技法等。创新精神和实践能力的关系犹如“道”和“器”,创新精神是实践能力的根本、源泉。创新精神从何而来?它来自于艺术设计理论教育的培养。
一、艺术设计理论教育的任务
1.艺术设计理论概述
艺术设计理论是一门对艺术设计的基础知识、基本问题和基本原理做专门综合探讨的知识体系,主要包含艺术设计史的研究、艺术设计基础理论的研究、设计批评、艺术设计实践理论的研究等内容。艺术设计史的研究包括:通史通论——中外设计史、中外美术史等,专史专论——中外广告史、中外服装史、中外陶瓷史、平面设计史、工业设计史等。艺术设计基础理论的研究包括:设计概论、艺术概论、设计心理学、设计方法学、设计文化学、设计美学、艺术美学、艺术心理学、设计艺术原理等。设计批评是对与设计相关的对象的评价和判断。艺术设计实践理论是针对每一门具体设计专业的专业理论,这种理论不是简单的对技法和工艺的概述,而是对技法和工艺一般规律的总结,是对技法和工艺本质及外延的研究。艺术设计理论是一个综合性的、交叉边缘学科,其知识体系涵盖了哲学、美学、艺术学、心理学、社会学、市场营销学、管理学、生态学、仿生学、人体工学、自然科学等诸多领域;因而,艺术设计理论课程的开设,是拓宽学生知识视野、提高学生综合素质、培养学生创新精神、指导学生设计实践的重要途径。
2.艺术设计理论教育的任务
①艺术设计理论教育是培养科学精神和人文精神的重要途径
李砚祖先生认为艺术设计是“人类为生存而进行的造物活动,是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值,因而是一种艺术质的造物”。①诸葛凯先生也认为艺术设计的本质是“按照美的规律为人造物的艺术”。②从以上的观点中可以分析出艺术设计的两大要素:“造物”体现的科学精神,造物之“美”蕴含的人文精神。科学精神是人们在长期的科学实践活动中形成的共同信念、价值标准和行为规范的总称,是体现在科学知识中的思想或理念;艺术设计实用功能性决定了它必须要遵循一定的科学原理进行造物,因而科学精神是艺术设计的内涵之一。人文精神是一种普遍的人类自我关怀,表现为对人的价值的维护、追求,对人类遗留下来的各种精神文化现象的珍视。艺术设计具有审美属性和精神价值,体现了其对人文精神的追求和重视。若使科学精神和人文精神很好地融入到艺术设计中、渗透到设计人员的设计理念中,需要合理解决科技发展与文化心理之间的矛盾,需要学习生态学、仿生学、人体工学、自然科学等方面的知识,需要研究历史、哲学、美学、艺术学、社会学、心理学、民族民俗学等相关内容。艺术设计理论知识体系涵盖了自然科学知识和人文知识的方方面面,因而,艺术设计理论教育是树立、培养科学精神和人文精神的重要途径,是使艺术设计真正实现“以人为本”的重要渠道。
②艺术设计理论教育是培养创造性思维的基础
当今时代,一方面人们对艺术设计的物质需要和精神需要越来越多样,另一方面,艺术设计已呈多元化发展趋势,多种风格与流派并存。在这样的时代背景下,若想设计出既符合大众需要又与众不同的艺术作品,需要的是创新精神。创新需要以丰富的知识为基础,艺术设计理论包含艺术设计史知识、艺术设计基础理论知识、设计批评、艺术设计实践理论知识等内容——知识体系庞大而丰富,所以艺术设计理论教育是扩大学生知识面、提高学生理论修养的根本途径。
艺术设计教育不是培养技术工人,而是培养具有理论修养,具备发现问题、分析问题、解决问题的全面发展的人才。所以艺术设计教育不应只传授技法、技能,同时也应传授“道”(即技法之外的艺术设计创新的本质、内涵),重在授之以“渔”而非“鱼”。艺术设计理论揭示艺术设计的客观运行规律、总结艺术设计现象背后的本质,因而,艺术设计理论教育是培养创造性思维能力、指导设计实践的基础。
二、艺术设计理论教育的现状
1.对待艺术设计理论不够重视
高校艺术设计专业的学生,甚至是一部分老师,都没有充分认识到艺术设计理论知识的重要性,认为理论可有可无。这与有些人的浮躁、急功近利思想分不开。在艺术设计专业教学活动中,学生更偏爱能够迅速带来设计成果的设计实践课,而艺术设计理论课相对枯燥乏味,不能立即物化出设计成果,较少受到学生的喜欢、重视。事实上,没有艺术理论知识做支撑的艺术设计作品,不过是没有灵魂的视觉元素的简单组合。艺术设计教育,不是仅仅教会学生能创作成果,重要的是教会学生掌握创作成果的方式、方法、规律和内涵等本质性的东西。艺术设计实践课程是教学的显性课程,教给学生的是“形而下”的“器”;艺术设计理论课程培养的是设计师的气质、创造意识和设计的综合素质,教给学生的是“形而上”的“道”,所以应加强学生的理论意识。同时,教师的艺术设计理论意识也有待提高。教师在进行艺术设计实践课程的教学时,可用相关理论知识来指导教学思想和教学方法、充实教学内容,授技的同时,也要传“道”,通过言传身教,培养学生对艺术设计理论知识的重视。
2.艺术设计理论课程设置不大科学
目前高校的艺术设计理论课程体系不够完善,理论课程开设参差不齐,有的高校只开设了设计史、设计概论和中国工艺美术史。科学的艺术设计理论课程体系应该包括:基础理论课,如设计概论、设计心理学、设计美学、设计方法学等;艺术设计史论课,包括通史通论(如中外设计史)和专史专论(如工业设计史、平面设计史);相关的设计批评课程和艺术设计实践理论课程等。
3.授课方法单调
传统的艺术设计理论课一般都是教师讲解,学生听,教学效果较差。现在多媒体引入教学,但是教学方式依然是灌输式的,多媒体成了第二黑板。这一方面是因为教师没有充分利用多媒体的声、光、色的优势,另一方面也因为理论课往往是以合班形式的大班上课,听课人数众多,限制了互动式、灵活式教学手段的实施。另外,多媒体教学依然局限于狭小的教室空间,学生缺乏消化理论知识的身临其境的客观环境条件。
三、艺术设计理论教育的改革措施
1.加强教师队伍的建设
艺术设计理论是一个庞大的知识体系,涉及到方方面面的内容,因此艺术设计理论教育对教师综合素养的要求就相当高。不仅仅是艺术设计理论课教师要具备丰富的理论知识,而且艺术设计实践课老师也同样要具备。由于艺术设计理论教育必须紧密联系设计实践,所以对教师的要求就是双重的:既要懂设计理论知识,又要会从事设计实践活动。专职的艺术设计理论课教师,在专心研究、教授理论知识的同时,也要了解相关的艺术设计实践知识,这样才能更好地深入到艺术设计理论研究的本质问题,避免纸上谈兵的尴尬。专职的艺术设计实践课老师,在掌握和教授设计技能、技法的同时,也要掌握大量的理论知识,不仅仅包括设计实践课的专业理论,也包括基础理论、艺术设计史论及设计批评等。教师队伍是培养人才的核心,只有教师的全面发展,才可能培养出全面发展的人才,所以提高教师素质、建设教师队伍是教育的大计。
2.教学方法和内容的改革
艺术设计理论课在教与学的过程中都带有较强的主观性,所以理论课教学在形式上要更为开放与自由,使学生由以前被动的听课变为主动的参与课堂。教学不应只局限于教室范围,可以在适当的时间安排学生到博物馆参观学习,针对现成作品进行理论讲解和分析;也可以针对某一艺术设计理论观点,进行课堂辩论或讨论。教师在授课过程中,不要为理论而理论,艺术设计理论知识要和艺术设计实践紧密结合,要提炼出设计观、美学思想及其对现代设计实践的影响与实用价值,使学生在学习过程中真正体会到理论课程的实用性和指导性。
3.考核方式的改革
艺术设计理论课程最终的考核方式一般是写论文或闭卷笔试。写论文并不能检验学生真正的学习效果,因为历年来的学生论文抄袭现象较严重,很多学生的论文都没有实质性内容;试卷考核方式考查的只是学生的死记硬背能力。所以艺术设计理论课的考核方式需要改革,可以以论文加设计作品或试题加设计作品的方式来考核。论文加设计作品,是在写论文的同时,要学生根据所写论文的论点,设计出能反映论点思想或与论点思想相关的作品,并把作品附在论文后面;试题加设计作品,就是把传统的题型变化一下,把纯文字型的试题,改为根据已知理论来设计相应作品的画图题或者是分析图片作品的分析题。这样,才能真正考核出学生理解、分析、应用理论知识的能力,使学生在运用理论知识的过程中真正体会到艺术设计理论知识的价值。
结语
艺术设计人才的培养关键在于综合素质的培养,而综合素质中很大一块是艺术设计理论修养。设计师不可能都是设计理论家,但只要是在专业设计上有一定成就的设计师,就一定是具备相当理论素养的人。艺术设计理论教育是培养具有创新精神、全面发展的高级专门人才的关键因素,所以我们应抛弃重技能、轻理论的思想,应加强对艺术设计理论教育的重视和投入。
注释:
①李砚祖.工艺美术概论[M].中国轻工业出版社,1999:13.
②诸葛铠.图案设计原理[M].江苏美术出版社,1998:65.
参考文献:
[1]曾小红.高等学校艺术设计理论教育初探[J].湘潭师范学院学报(社会科学版),2006(4).
[2]朱和平,王美艳.谈艺术设计专业理论课程体系的构建[J].当代教育论坛,2007(2).
工艺美术师论文篇6
［关键词］环境艺术设计未来环境艺术设计师
社会经济发展需要环境艺术，人居环境的改善需要环境艺术，环境艺术作为一个新兴的行业，已经逐步形成环境艺术产业链。在城市的发展进程中，环境艺术师正逐渐扮演着越来越重要的角色。因此，2009年12月26日首批全国环境艺术师诞生。“环境艺术师”已成为了一项新的职业资格。目前，环境艺术师在我国还是一个新兴的职业，国家建设部所属的中国建设文协环境艺术委员会集合了我国环境艺术的教授、专家和企业家。在未来的道路上，环境艺术师作为独立的职业，具有广阔的发展空间，任重而道远。
一、环境艺术的定义与内涵
著名的环境艺术理论家多伯（Richardp.Dober）解释道：环境艺术“作为一种艺术，它比建筑更巨大，比规划更广泛，比工程更富有感情。这是一种爱管闲事的艺术，无所不包的艺术，早已被传统所瞩目的艺术。环境艺术的实践与人影响其周围环境的能力，赋予环境视觉次序的能力，以及提高人类居住环境质量和装饰水平的能力是紧密地联系在一起的”。多伯对环境艺术的定义是迄今为止人们所见到的、具有权威性、比较全面、比较准确的定义。他虽然是从艺术角度讲的，是“作为艺术”的环境艺术定义，但是它已经远远超出了过去门类的陈腐观念。该定义指出，环境艺术范围广泛，历史悠久，不仅具有一般视觉艺术特征，还具有科学、技术、工程等特征。
中国环境艺术设计专业的开拓者及学术带头人薛键教授对环境艺术广义的解释：“环境艺术几乎涵盖了地球表面的所有地面环境和与美化装饰有关的所有设计领域。”环境艺术设计就其狭义：围绕建筑的室内外设计上讲，叫法也算贴切。
清华大学美术学院张绮曼教授解释：“环境艺术设计，它包括了城市规划、建筑设计、园林设计、园林广场设计、雕塑与壁画等环境艺术品设计以及室内设计。”
实际上环境艺术有着宽广的内涵，除了包括为美化环境而设计的“艺术品”外，还应包括“偶发艺术”、“地景艺术”以及建筑界所称“景观艺术”等，也就是说：人们所耳闻目睹的一切事物都是环境构成的要素。如：自然界的山、水、草、木、人工创造的建筑、市政设施、招贴广告、甚至人们自身的日常行为，如服饰、购物、休闲、运动等都是环境中的景致。环境艺术是人与周围的人类居住环境相互作用的艺术；是一种场所艺术、关系艺术、对话艺术、生态艺术。环境艺术是一个新兴的、边缘的、综合艺术系统工程；是一个跨学科的综合性专业，涉及美术、雕塑、装饰文化、建筑基础知识、园林艺术、人体工程学、设计流派、材料学、心理学等多领域。无论在专业理论的广度，还是在专业技能的多样化上，都具有一定代表性。
环境艺术可以分为物质形态和意识形态两个方面：
物质形态主要是指构成环境景观的物质要素，而这些物质要素按不同材质又可分为不同类型。
意识形态主要是指影响指导人们行为的精神因素，如：、民俗习惯、审美观念、社会制度、伦理道德等。
二、未来环境艺术设计师的角色
尽管环境艺术师是一个新名词，然而在整个经济建设领域他们肩负着重要的责任。根据城乡环境建设的需要，在设计中运用艺术和美学原理，结合专业知识及技能，进行城乡环境的艺术策划。在环境艺术师的脑海里，要始终遵循着工作中综合运用艺术、美学的原理，完成对环境从空间、形态、时间、文脉、功能、色彩等一系列的整体艺术策划，进行文案企划的编制：从艺术专项角度提前介入总体规划，在总体规划确定原则下，对环境进行艺术规划，确定空间区域的审美原则，使环境达到美与和谐的境界，并进行总体艺术规划及详细艺术规划的图纸、文字说明、模型等辅助说明工具的制作与表现。对环境的空间造型、尺度关系、环境公共设施系统、环境肌理系统、环境色彩系统、环境声音系统、光环境系统、环境标识系统等做出艺术方案设计与艺术深化设计。在项目的实施过程中，配合委托方与建设方的工作，进行设计交底，施工监理、材料选择等各个环节的协调与指导，以确保项目在实施的过程中保证环境规划与设计的施工质量与美学品质，从空间、体量、色彩、自然、人文、材料、工艺、成本等各个角度去实现环境艺术化。
作为一名环境艺术设计师，在创作作品时以艺术理论和艺术方法为出发点，最终以艺术效果为归宿。其基本作用和目标，是避免城乡建设环境建设中的凌乱，不协调、低俗、缺乏文化水准，通过与其他专业人员的密切合作，共同为保护与利用自然和人文环境资源，美化环境，创建宜居城市、花园式住区、创造优美宜人的人类生存居住环境发挥积极作用。环境艺术设计师就好比一盏明灯，他指引着一个城市发展的方向，他又如一名丰富经验的船长，凭着自身的艺术涵养让城市发展得更和谐。